ABC Klubhuis í Antwerpen

ABC Klubhuis í Antwerpen

ABC Klubhuis í Antwerpen

Í Antwerpen í Belgíu eru nokkrir íslenskir listamenn búnir að koma sér vel fyrir, en þau stofnuðu sýningarrýmið ABC Klubhuis og eru orðin mikilvægur hluti af listalífinu í borginni.  ABC Klubhuis er rekið af: Baldvini Einarssyni, Guðlaugu Míu Eyþórsdóttur, Helga Þórssyni, Jóhönnu Kristbjörgu Sigurðardóttur, Kristínu Karólínu Helgadóttur, Ófeigi Sigurðarssyni og Valgerði Sigurðardóttur.

Nýlega voru þau beðin um að sýningarstýra viðburðum og stórri sýningu hjá De Studio sem er hluti af listahátíðinni Antwerp Art Weekend. Sýningin bar heitið Helgi með ABC KlubhuisArt Weekend er þriggja daga hátíð með það markmið að kynna fyrir listasenuna fyrir almenningi og þau rými sem eru starfandi í borginni. Hátíðin gefur út bækling með kynningarefni og er því góð auglýsing fyrir listamannarekin rými.

Emma Heiðarsdóttir tók þátt í sýningu ABC Klubhuis en einnig með í annari sýningu sem var hluti af hátíðinni. Sú sýning bar heitið Back View og var sýnd í listamannarekna rýminu The Pink Houses en þar eru bæði gallerí og vinnustofur. 

artzine náði tali af Guðlaugu Míu einmum meðlima ABC Klubhuis og Emmu til að spyrja nokkurra spurninga og fá tilfinningu fyrir hátíðinni og listasenunni í Antwerpen: Antwerp Art eru samtökin sem stóðu fyrir hátíðinni en yfir 100 starfrækt listarými tóku þátt í að þessu sinni. Þetta er fjórða skiptið sem þessi viðburður er haldinn á jafn mörgum árum. Antwerp Art  eru samtök listamanna í borginni og þau sjá um alls skonar ólíka viðburði yfir árið svo sem gallerínótt, studíó heimsóknir og margt fleira til vekja athygli á listasenunni og þeim rýmum sem eru starfrækt í Antwerpen. Það var mikill heiður að vera boðið að sýningarstýra þessari sýningu hjá De Studio sem var aðalrými hátíðarinnar. Það kom okkur á óvart þar sem við erum frekar ný í senunni.


Frá sýningunni Helgi með ABC.

Hjá De Studio voru mismunandi viðburðir og sýningar en ABC Klubhuis stóð fyrir sýningu sem átti að endurspegla myndlistina og innihélt aðallega hlutbundna list eins og skúlptúra og málverk. En svo voru aðrir fengnir til að sýningarstýra sýningum og viðburðum með  vídeóverkum og gjörningum. Sýningin hjá ABC Klubhuis fór fram í þremur mismunandi rýmum: aðal sýningarsalnum, á bakvið tjöldin í vídeóherbergi þar sem áhorfandinn fékk innsýn í hversdagslíf listamannsins og í þriðja rýminu var bar og minjagripabúð. “Við nálgumst sýningarverkefnin soldið út frá því að allir fái að vera með og að áhorfandinn hafi auðveldan aðgang að myndlistinni. Viðhorf okkar er frekar blátt áfram og við erum ekki spila neina leiki eða reyna vera með einhverja kænsku.”

Hluti hópsins sem stendur á bakvið ABC Klubhuis býr líka að þeirri reynslu að hafa rekið sýningarrými í Reykjavík undir nafninu Kunstschlager sem enn er sárt saknað af mörgum sem fylgjast með því sem er að gerast á senunni á Íslandi. Sýningar þeirra einkennast af mikilli orku, stemmingu og gleði sem ómögulegt er að smitast ekki af. Þeirra viðhorf er að kýla á hlutina sama hvað. “Það er í raun miklu auðveldara að reka svona rými hérna úti þar sem viðhorfið er allt annað og okkur tekst að selja myndlistina mjög auðveldlega. Einnig hefur okkur verið alveg ótrúlega vel tekið sem nýrri orku inn í senuna.“

Það viðhorf ABC Klubhuismeðlima að allir séu með og að viðburðir þeirra einkennast af leikgleði kemur fram í því hvernig þau vinna sýningarnar en einnig aðgang áhorfandans að myndlistinni. Þau eru alltaf með bar inni í galleríinu þar sem þau selja áfengi og er kokteilvélin sem þau eiga orðin vel þekkt. Sú vél ásamt sala á minjagripum vakti mikla lukku yfir hátíðina þar sem listin var gerð aðgengileg öllum en ekki einungis efnuðum söfnurum. Þar bauðst fólki að kaupa minjagripi sem ABC Klubhuis lét útbúa og voru litlar útgáfur af verkunum á sýningunni  “Það var til dæmis kona sem keypti verk eftir Emmu en keypti líka lyklakyppu sem var miniature af sama verki” segir Mía.


Frá sýningunni Back View.

Verk Emmu eru einhverskonar viðbrögð og samtal við þau rými sem hún vinnur eða sýnir í og einkennast verkin af litlum inngripum og samtölum við hversdagsleikann. Áhorfandinn þarf jafnvel stundum að leita að  verkunum. Á sýningunni Back View sýnir Emma með Machteld Bernaert og er gerð tilraun til þess að bregðast við útsýninu útum gluggann á galleríinu. Þar hefur Emma tekið afsteypu af bárujárnsþaki og komið afsteypunni fyrir í rýminu í sömu sjónlínu og þakið sjálft sem er fyrir utan. “Mér finnst svo oft heillandi bakgarðar í Belgíu og sýningin er að leika með mörk sýningarrýmsins. Þannig að glugginn er opinn og verkin vísa til þess sem maður sér út.” Machteld Bernaert sem sýnir með Emmu endurgerir hversdagslega hluti eins og kaffibolla og þakrennur í keramík og setur smá kaffi í bollana þannig að áhorfandinn getur týnst á mörkum hversdagsleikans og þess  sviðsetta. Sýningin er þannig leikur með upphafningu hversdagsleikans eða “normalíseringu” á listaverkinu.

Emma segist finna fyrir mun á því sem er að gerast í myndlistinni í Antwerpen og svo á Íslandi að því leyti að í Antwerpen viðist fókusinn vera á hlutbundna eða formalíska list, á meðan senan á Íslandi einkennist frekar af gjörningum og viðburðum. Ég finn fyrir því að hérna úti er miklu meiri markaður fyrir myndlist og að safnarar séu áhrifavaldar hér en þó eru líka kraftmikil rými sem eru listamannarekin.”


Frá sýningunni Back View.

Fagurfræði listamannana sem reka ABC Klubhuis og Emmu virðast mjög ólík við fyrstu sín, þar sem verk Klúbbmeðlima einkennast af litagleði, formalisma, glamúr, glettni og einhverskonar súrrealískri bjögun á veruleikanum. Hinsvegar einkennast verk Emmu af ljóðrænum og litlum inngripum í umhverfið og hverdsagsleikann. Þó eiga verkin það oft sameiginlegt að vera skírkotanir í hið lifaða líf.  Einnig eiga þau það öll sameiginlegt að vinna í hlutbundni list sem einkennist frekar af upplifunum og fagurfræðilegum sjónarmiðum en fræðilegum. Þar sem upplifunum einstaklingsins er hampað frekar en stífri rökhyggju.

Listamennirnir sem tóku þátt í Helgi með ABC voru: Veronik Willems & Sophie Anson,David Bernstein, Bloeme Van Bon, Deborah Bowmann, Sarah & Charles, Baldvin Einarsson, Guðlaug Mía Eyþórsdóttir, Emma HeiðarsdóttirKristín Karólína Helgadóttir, Pieter Jennes, Valérie Mannaerts, Bram Van Meervelde, Benny Van den Meulengracht-Vranx, Sophie Nys, OAOA, Philip Aguirre y Otegui, Sharon Van Overmeiren, Tom Poelmans, Jóhanna Kristbjörg Sigurðardóttir, Valgerður Sigurðardóttir, Charline Tyberghein, Wim Wauman og Helgi Þórsson.

artzine þakkar fyrir áhugavert innlit í listalíf Klúbbhúmeðlima og er mun fróðari um listasenuna í Antwerpen en það er greynilega margt spennandi að gerast þar sem vert er að skoða.

Dagrún Aðalsteinsdóttir


Ljósmyndir eru birtar með leyfi  listamannana og ABC Klubhuis.
Vefsíður: abcklubhuis.com / Emma Heiðarsdóttir: emmaheidarsdottir.info

 

Black is Light by Claudia Hausfeld and Klara Sofie Ludvigsen

Black is Light by Claudia Hausfeld and Klara Sofie Ludvigsen

Black is Light by Claudia Hausfeld and Klara Sofie Ludvigsen

The exhibition, Black is Light, by Claudia Hausfeld and Klara Sofie Ludvigsen is on view at Harbinger until the 24th of June. In the exhibition, black and white analog photographs are not as they appear on their surface. As one scans the surface of the images, the conflicting meeting place between the proof of the image and the imagination of the observer is constantly revealed. Both slight and blatant manipulations made by the artists disrupt the reception of how one usually absorbs a photograph, demanding a sharpening of the gaze. Such is the magic of painting with light in the darkroom, as well as the suspension of working in with darkroom processes which the artists shared with me in the following interview.

Erin: As I was looking around at the works and noticing how well they work together, the question I really wanted to figure out how to answer was: Whose is whose? I think it is because the photographs work so well together. How would you describe a way to differentiate between your works?

Klara Sofie: I think there are many ways of answering that question. One concrete thing is how we work in the darkroom. I work in the layer with the negative whereas Claudia works on the paper so that is a difference but you can’t really see that. It’s just something we know.

Erin: That is the exact kind of information about the work that I think is so interesting to know because it’s something we would never know, or see.

Claudia: I think you can even say that it is all darkroom images, which is a fundamental ingredient in our work, and that it is done in the darkroom and that it is chemicals and light which made the images.

Klara Sofie: It is important as this process is informing the outcome. Claudia is doing it on the paper like stopping the light from working on the surface whereas I am doing it with the negative by taking new negatives on glass or on transparent paper with different techniques. So I’ve always stopped the light when the negative is on a layer.

Claudia: The enlarger we use in the darkroom functions like a reverse camera. The paper we print on is like the negative in a camera, and the negative itself is like the thing you take a picture of. The higher up and further away the negative is from the paper, the larger the image. And by doing it Klara’s way, by putting a drawing or painting on glass together with the negative, you also enlarge the painting on the surface of the image, so you see these lines that were painted on glass or plastic were enlarged along with the image, whereas mine were printed directly on the images so it is not enlarged. It is more of a photogram, like a direct copy.

Erin: That really gives it a totally different sense. When I look around I feel like they have a totally different depth feeling to them.

Claudia: I was wondering about this one for instance. It is really difficult to tell what is image and what is negative.

Klara Sofie: I think it is lead because this is a negative combined with a positive. What you are looking at, the white part, is a positive, which comes out negative, which means it is a black lead lying on the foreground there as salt storage. That is the light blended into the other images which is a negative coming across as a positive.

Claudia: I just don’t understand this image. You know this thing with photography where you know you are dealing with something that was actually there but you just can’t believe it. Did you cut on the negative?

Klara Sofie: No, when I placed them on top of each other this is what came through because the salt is white and when it is a positive that is where the light shows through and it gave room for the negative to show.

Erin: This is the positive and this is the negative?

Klara Sofie: No, that is just the opposite. It is very easy to get dizzy when it comes to positives and negatives because part of the process is to constantly turn it which is what the title is playing on as well because what is black in the negative stops the light, and becomes light in the photograph.

Claudia: For this image I made a torch with this little nose out of paper, like a funnel. So the light only came out of this tiny hole. I placed the paper with a red filter so it didn’t expose it and then I switched it on the torch and went all over the place with it, making a drawing.

Erin: So you made black with light?

Claudia: Yes, because that is how the photographic paper is burned; it turns black.

Erin: And this is Claudia’s?

Klara Sofie: No, that is mine. But this is a strange one because it is also painted on glass in the same size as the negative and then doubled so it is a painting and a photograph. This is a special version because it is light leaked on the paper which, in a way, relates them even more to Claudia’s because it is not something I usually do.

Claudia: What I like is that it has this randomness in which you can see how light behaves in these stripes.

Klara Sofie: I don’t understand the logic of it. I don’t know how this appeared because it doesn’t really make sense the way it is placed.

Erin: How does it feel to work with something that you don’t always understand the logic of?

Claudia: It is so exciting; I really love it. I guess I work like this because I do something on the paper itself. The thing is, you are in this room and you can have this red light on so you see quite a bit and you take out this white sheet of paper and you place it there and then you put some light on it and when the light turns off the image is still white. It seems like nothing has happened but you know that latently there is an image on that white sheet of paper. Then you take it and you put it in this tray and magically something appears; this moment is such magic every time.

Erin: It still has so much variation at that stage in the process of creating the image you want.

Claudia: Yes, of course. You can take it out earlier and you can switch on the light and change everything up.

Erin: How did you two meet?

Klara Sofie: We were paired together. We had never met before and we were asked to do a collaboration together. First we had an exhibition in a gallery in Bergen in April 2018. That was the first time our works met and we were pleasantly surprised. It was a very funny experience because we saw that they spoke so well together. We were laughing quite a lot.

Erin: Can you tell me more about this one?

Claudia: It is a little bit of an experiment because I wanted to illustrate the whole darkroom process in an abstract way; painting an image in layers. So I took that idea and decided to make shelves, also inspired by Klara who was making these shelves with glass. This sequence of images I made by walking around a hole and every step taking a picture. I wanted to make the hole three-dimensional to keep true to the process. In the darkroom, I placed this tiny piece of paper in the middle also and crumbled it smaller and smaller until it almost disappears at the bottom-most shelf.

Erin: There is a lot of illustration of the photographic process going on in the exhibition.

Claudia: Of course, because it is very process-based and also very playful. Actually, with none of the works was I preconceiving that I was going to make this kind of image or that one. I browse through my negatives until I find something that I’d like to play with.

Klara Sofie: For me, for years I found photography to be quite a stiff medium. It’s very formal because it has so many processes that make it feel very controlled, unlike painting, which is more improvised. I am working to make it more improvisational and playful because I wanted to have more fun, so eventually I just had to give up control. So, this way of working is just a result of this release of control and matching what I’m painting with different negatives and seeing what compositions appear and sometimes it clicks and sometimes it doesn’t but it does after a while. It’s just a constant process.

Erin: Photography does carry with it this heritage of stiffness.

Claudia: It is actually a theory that I would like to explore a little bit further. I’ve been looking for literature about this digital/analog dichotomy. Photography released painting because, after the inception of photography, paintings didn’t have to concern themselves anymore with the representation of reality and it could sort of fall back on itself and research itself. This was always the thing that photography had to deal with: representation and depiction of what was there. Now it is digital photography that has taken that in all forms like scanners and surveillance cameras. Now that everything is digital photography, analog photography can finally concern itself with itself. It doesn’t need to represent anything anymore. The need to show that ‘this is what existed’ is gone. It feels kind of fresh and free because now it is really painting with light.

Erin: It is being returned to its core, so to speak.

Claudia: It is so funny because it isn’t a painting. It isn’t a pure invention of my hand and brain. It is still real stuff but I can tweak it and play with it.

Erin: The way you are both manipulating the photographs in the darkroom process really disrupts the observer’s ability to ‘scan’ the image. It’s like you are dismantling the whole linear process of one thing leading to another and creating your own world within the photographs – breaking the spell of the photograph. Any final words?

Claudia: I would like to add that it is such a nice feeling knowing that people can work together, yet separately, on a collaboration. We just played on our own and it came together. Now, when I’m working in the darkroom I love knowing there is someone else out there doing the same.

Erin: Thank you Claudia and Sofie.

Erin Honeycut


The exhibition was on view from June 2nd to June 24th as part of a collaboration between Tag Team Studios in Bergen, Norway and Harbinger Project Space in the context of the B-Open Project ‘Norden TIL Bergen.’

Photo Credit:
Featured image: Erin Honeycut. Exhibition photos: Claudia Hausfeld.

Artists websites:
Claudia: claudiahausfeld.com / Klara Sofie: klarasofie.com

A Triangle Dreaming of a Triangle – an Interview with Ignacio Uriarte

A Triangle Dreaming of a Triangle – an Interview with Ignacio Uriarte

A Triangle Dreaming of a Triangle – an Interview with Ignacio Uriarte

In Ignacio Uriarte’s exhibition, Divisions and Reflections, now on view at i8 gallery until August 4th, the black and white drawings create a suite of connective material, like the tissues of the same organic world of shapes. Uriarte is known for his background in business administration which he has carried into his artistic career by using the same tools of the trade – those belonging to the office. However, in this office space, the traditional ways of looking at the use of objects are given a new formula that explodes the mundane aspect of the work to touch on the body-machine relationship where tools are extensions of bodily functions still restricted yet extended. In an interview, the artist spoke about the way narrative is written into signs and symbols in a way in which the signs and symbols can be nostalgic and even dream of themselves.

Erin: Your background in business administration has really been the focus of a lot of the writing I have read about your work. I watched one of your earlier works in which an actor performed the sounds of a typewriter. It really gave these tools an embodied aspect, like a Cronenberg effect. It seems like a similar effect goes into your drawings by making a caricature of the body as a tool.

Ignacio: The typewriter is a writing instrument but it is almost played like a keyboard with the sounds of a percussion instrument. It used to be the soundtrack of the office and was used in movies when you wanted to announce that someone is entering the pressroom or the office. The typewriter just belongs there, but it’s a bit of a pity because the typewriter really inherits that world wherever it goes. I wanted to do homage to the sound qualities of the typewriter without showing a typewriter.

I recorded in a technology museum where they have thousands of typewriters and every couple of years they have a different model, electrical ones or ones with digital memories with each typewriter having a different sound. The actor is basically listening to the original sounds and recreating them with his mouth. The History of the Typewriter Recited by Michael Winslow (2009) is the name of the piece. The work had so many reactions with people from the art world reacting in a certain way, typewriter fetishists reacting in a certain way, and beatboxers reacting in another way. It was so funny to have all these reactions.

Erin: That’s the magic of how a simple thing put into a new context can have a different meaning for so many people. Off the top of my head, Naked Lunch is my first typewriter association.

Ignacio: Yes, a typewriter turned into a living being. I think a lot about Cronenberg [David Cronenberg, the director of the film Naked Lunch based on the novel by William S. Burroughs] in my work in general and the interactions between man and machine. Often, with him, it’s the physical connection of man to a machine.

Erin: There is a really strong connection when you think of office work and this constraint put on the body, as in the typewriter; the act is so physical.

Ignacio: I find with the typewriter that there is another aspect of the way we become digital. For the people who grew up with pre-digital technology, the typewriter has given us quite a lot of help. You have the idea of the function of a paper where you can copy things and take them out again. These physical things were taken from the computer screen.

Throughout the filming, I came up with these very constructed drawings that often take a letter or a sign like in concrete poetry where they take a word or a concept that is a visual image but is also a visual result. So I started moving in that direction of taking a sign and seeing what sign is makes in space. Now, I do a lot of drawings in that manner. Sometimes it becomes way more organic than you would expect from an instrument. I make curvy lines by slowly rotating the paper and it gives you images you wouldn’t expect from a typewriter.

Erin: It really brings together the notions of art and poetry and art and writing. I was thinking a lot of the Oulipo (Ouvroir de littérature potentielle, or workshop of potential literature) movement in the 1960s in France, a group of writers who put these constraints in their writing to make it sort of mechanical, similar to how you work within the constraint of using office supplies. These writers would create a boundary for themselves from which to write so that the whole meaning of what was within these boundaries could be expanded: writing poems using only one vowel, for example.

Ignacio: For me, the use of office material was a way to stay rooted in reality. I tend to go for these images that are rather universal, minimal, or abstract. When you restrict yourself to certain tools, as well as methods, it is not the typical gestural painting of beauty out of intuition, but more about someone adjusting and obeying an everyday life situation.

Erin: It seems that this exhibition is more of an organic geometric world with these kinds of shapes, much more so than your previous works.

Ignacio: It is very new for me to move into the shape to begin with. This is the second show in which I’m influenced by geometry. You can see the influence of these Swiss designers, like Max Bill. First of all, it is a very reduced language; Bauhaus didn’t invent it. The Catholic Church began it. We’ve been doing this for a long time – when you want to find a universal symbol you tend to reduce it. I remember being taught in a Montessori Kindergarten in which kids are taught to read with symbols, so the verb is a red circle, as it is a movement that’s jumping around, and the article is a triangle, as it is set in place. In a way, I’m using what the Bauhaus educational system used. It’s appealing because I’m still bringing the empty container in which everyone can bring his or her own whatever-is-in-their-mind. It is a very playful way to explain the world and there is some optimism. I think the show even looks a little bit nostalgic of the 1960s.

This one, in particular, Ten Documents (2018), with the op-art effect may remind you of when people were using drugs in the 1960s, like the doors of perception. The work is actually about the size of the DIN system. In Europe, the sizes are designed by German engineers in which DA 0 is exactly one square meter and if you divide it by half, which is half the space, then it is DA 1, DA 2, DA 3, and so on and if you turn it around it is exactly the same orientation. There is a lot of method involved. It was invented for the First World War and for a really big war you had a lot of office administration. So for this square, if you calculate it, you can easily think that if you need this many pieces of paper, you know you will need this many pieces. Many things were invented for war purposes that had a very positive use in society and they usually put a lot of research into it. The thing is, you don’t think of war as being in the office. So, although the work has this op-art effect depending on the perspective, I call it Ten Documents to bring it back to reality.

And with this one, Eight Circles Forming a Square (2018), it is rectangular and I tried to make a square with eight circles by playing with halves. The end result is these overlays, typical things you use to explore shapes.

The whole show was made with the same pen. There is something about transparency and overlap in Four Rotating Squares (2018), the way the more you overlap the darker you get. There is a kind of summing up of surfaces in the way that this is a circle trying to become a square and this is four squares becoming a circle. It is a very simple gesture in which you have these shapes and then you have this effect. It is so simple and universal, this shape; it is like a sun freeing the shape of the sun. There is always a bit of transformation happening – a triangle dreaming of a triangle.

Erin: Creating triangles with triangles sounds like a format for concrete poetry. It almost seems like a formula in which you can only use the thing you are creating to create the thing you are creating, almost like a mise en abyme event.

Ignacio: This triangle also relates to the square. It’s very constructed. That’s why, to me, the exhibition space is a choreographed space. They are part of the same fabric – a suite of works that talk to each other.

Erin: Has anyone commented on the overt hairiness of these strokes?

Ignacio: In other pieces, people say they look like sweaters. One idea with the strokes is their relation to chance more than to scribbling. It has this very chaotic, organic, physical, almost biological feel to them. The making of these strokes is so anthropomorphic, as well. The repetition and the natural movement reflect the size and radius of your wrist. This work is called Chiasmus (2018), like the narrative structure used in literature. It could be representative of this narrative structure in which the second part is mirrored against the first part but with a role reversal.

In these works (Two Quarters, Four Eights, and Eight Sixteenths (2018)) you can see this Cronenbergian worm that is being divided. The space each shape needs is compacted. Because I left the same procedure for each one, the paper is what gives it shape, but it is almost like the space has to give it shape. I am not trying to distract from it. You’re getting into the consequences of a system that works very well on the viewer and the reader and then suddenly your personal story becomes extremely universal of that consequence. The question in any art form is: What do you want? Do you want an artwork or do you want to live in an artwork? Do you want to distract or, through it, understand reality better or do you want to come to a realisation of something?

Erin: With these questions in mind we thank Ignacio.

Erin Honeycut


Photo credit: Featured image by Marcel Schwickerath. Images of works: Vigfús Birgisson.

Skynrænn þverskurður Tuma Magnússonar

Skynrænn þverskurður Tuma Magnússonar

Skynrænn þverskurður Tuma Magnússonar

Listamannarekna sýningarrýmið Pirpa er staðsett við Grønttorvet, eða Grænmetistorgið, í úthverfi Kaupmannahafnar í Danmörku. Þar má um þessar mundir sjá og heyra innsetningu listamannsins Tuma Magnússonar sem ber heitið „Arbejdsvidenskab“ eða „Vinnuvísindi“. Hún sækir efniðvið í umhverfi Pirpa sem undanfarið hefur tekið miklum breytingum. Fyrir tveimur árum yfirgáfu síðustu heildsalarnir Grænmetistorgið sem áður var lífleg miðstöð grænmetis-, ávaxta- og blómasölu. Það stóð til að umbreyta torginu í íbúðarkjarna. Það átti að rífa þær byggingar sem áður hýstu heildsölurnar til að skapa rúm fyrir framtíðina. Niðurrifið hefur reynst tímafrekt og enn í dag eru steypubyggingar á svæðinu að umbreytast í duft á meðan ný íbúðarhúsnæði rísa. Sýningarrýmið Pirpa, ásamt örfáum smáverslunum, litlum framleiðslufyrirtækjum og listamönnum hefur hreiðrað um sig tímabundið í rótinu. Í yfirgefnum byggingum sem enn fá að standa.

Sýningar Pirpa hverfast ávallt að einhverju leyti um sögu svæðisins, arkítektúr þess eða þá umbreytingu sem nú á sér stað þar. Eins og titillinn gefur til kynna fjallar innsetning Tuma um vinnuna. Í þessu staðbundna verki, sem samastendur af ómandi hlutum ásamt upptökum af hljóði og myndum, tekur Tumi sneiðmynd af hinum mismunandi vinnuferlum sem mótað hafa svæðið síðastliðna mánuði.

Mávar taka á móti gestum sýningarinnar með gargandi söng. Úr fjarska má heyra jarðýtu berjast við að ryðja á undan sér einhverjum massa. Hér eru þó engir mávar á ferð og þrátt fyrir vinnuvélar í nágrenninu er engin jarðýta í sjónlínu. Hljóðið kemur frá gömlu hringborði og vinnukolli úr plasti sem blasa við sjónum fyrir utan Pirpa. Smám saman dýpkar rómur mávanna. Það hægist á og jarðýtan virðist eiga erfiðara um vik að komast áfram. Hljóðsporið teygist til, hraðinn breytist og tíðnin fylgir með. Ef tekin eru nokkur skref áfram, framhjá kollinum og borðinu og inn fyrir dyr sýningarrýmisins, stækkar hljóðheimurinn. Hann umlykur líkamann úr hverju horni.

Heyra má óm af nokkrum mismunandi atburðarásum, sem virðast gerast á sama tíma: Byggingarframkvæmdum, kústi sem dreginn er eftir gangstétt og gleri sem slæst saman. Þessi mismunandi hljóð hljóma í takt en virðast þó ekki alveg í samræmi við þann veruleika sem blasir við á leið til sýningarinnar í gegnum hverfið. Hljóðin spilast á mismunandi hraða og eins og rómur mávanna breytist tónfallið einnig. Meðfram veggjunum hvíla sex skjáir ofan á hátölurum sem sýna uppruna hljóðsins. Ung stúlka sópar gangstétt fyrir utan nytjamarkað, vinnuvélar brjóta sér leið í gegnum steypu og tveir menn tappa epladrykk á flöskur og innsigla þær. Myndirnar hreyfast í takt við hljóðið, hraðar og hraðar. Þegar hámarkshraða hefur verið náðhægist á að nýju.

Þegar eyru okkar nema tilbúin hljóð, það er að segja hljóð sem búið er að taka upp og eiga við, göngum við oftast út frá því að um tónlist sé að ræða. Allir hlutir gefa frá sér hljóð sem við heyrum stöðugt úr umhverfi okkar. Í skynjuninni nemum við umhverfishljóð sem afleiðingu hins sjónræna heims og þegar augljóslega er búið að fikta í rauntíma hljóðsins, eins og Tumi hefur gert hér, eigum við erfitt með að tengja það við raunveruleikann. Við erum vanari því aðhorfa á hreyfimyndir á auknum hraða eða í hægsýningu. Augað á ekkert erfitt með að greina hvaða hlutir eða lifandi verur eru á myndum, þótt átt hafi verið við hraðann. Því upplifum við myndir yfirleitt á einhvern hátt sem framsetningu á raunveruleikanum. Í innsetningunni „Vinnuvísindi“ nýtir Tumi sér samræmingu mynda og hljóðs á athyglisverðan hátt.

Taktur hljóðsporsins er skipulagður og melódískur. Þrátt fyrir það virðist verkið fjarlægjast heim tónlistarinnar þegar hljóð og mynd mætast. Myndirnar hjálpa okkur nefnilega að greina hljóðið sem breytu úr umhverfinu. Hér virðist, frekar en tónlist, vera á ferðinni leikandi tilraun, framkvæmda í sérstökum tilgangi: Til að sýna fram á að það tekur mislangan tíma að vinna mismunandi verk. Í sömu andrá beinist athygli gesta sýningarinnar að þeirra eigin tilfinningu fyrir stað og stund.

Þeir vinnuferlar sem fyrir augu og eyru bera eru uppistaða samfélagsins við Grænmetistorgið. Allt frá vinnu mávanna við að afla sér lífsviðurværis til byggingaframkvæmdanna. Smám saman kemur í ljós að það er alltaf ein af atburðarásunum í rauntíma og hinar fylgja hraða hennar. Þegar mennirnir tappa epladrykk á flöskur garga mávarnir í takt. Þótt þeir hljómi heldur þreklausir. Steypan mölvast og rykið safnast í bunka á nákvæmlega sama hraða. Hálfri mínútu síðar eiga sér stað skipti. Nú gengur auðveldlega að brjóta steypuna en stúlkan með sópinn virðist fara óeðlilega mikið fram úr sér.

Svona gengur verkið fyrir sig. Eitt verkefni er unnið á rauntíma og hin fylgja með. Hring eftir hring. Þar með fá þau sem njóta verksins vinnuvísindi svæðisins beint í æð – það er að segja, hvernig unnið er úr aðstæðum á vettvangi. Hvernig eru hin mismunandi verkefni leyst af hendi, á hversu skilvirkan eða hagnýtan hátt?

Þó „Vinnuvísindi“ minni að mörgu leyti á prófun á tilgátu, talar innsetningin meira til skynjunar okkar en rökhyggjunnar. Ástæða þess er samspil heyrnar og sjónar. Eins og áður sagði þjóna myndirnar mikilvægu hlutverki sem tenging hljóðsins við raunveruleikann. Það er auðveldara fyrir okkur að sjá hvaða atburðarrás birtist okkur í rauntíma hverju sinni. Hins vegar virkar sjónin þannig að við sjáum aðeins það sem er beint fyrir framan okkur.

Þrátt fyrir smæð sýningarrýmisins er ómögulegt að sjá öll smáatriði verksins á sama andartaki. Þeir skjáir sem blasa við gestum eru ekki stórir. Ef staðið er fyrir miðju eins þeirra er ómögulegt að sjá hvað fram fer á hinum skjánum í rýminu, án þess að snúa sér. Heyrnin virkar hinsvegar þannig að eyrun nema hljóð úr umhverfinu úr öllum áttum. Jafnvel þótt við snúum baki við hljóðgjafanum. Það er vel greinanlegt hvaða hljóðspor tilheyrir þeirri mynd sem ber fyrir augu, en hljóðið frá hinum skjánum heyrist einnig. Þannig tengjast atburðarásirnar saman. Í gegnum skynjunina skapast vissa um það að epladrykkurinn sé framleiddur í nágrenni við stúlkuna með sópinn. Jafnvel þó það hljómi eins og að hún vinni heldur löturlega.

„Vinnuvísindi“, sem við fyrstu kynni virðist vera leikur að veruleikanum, tilviljanakenndur samsláttur af mismunandi umhverfishljóðum, breytist með tímanum í skynrænan þverskurð af þeim vanagangi og mynstrum sem einkenna hin mismunandi vinnubrögð sem Tumi tekur fyrir. Um leið birtist landslag Grænmetistorgsins, sem svæði í millibilsástandi. Það þarf þó ekki annað en að loka augunum til að hverfa á mið taktfastrar og tilraunakenndrar tónlistar. Hljóða sem óvissa ríkir um hvort séu í raun hluti af okkar heimi. Þar með rekur hugann inn í áður óþekkt svæði þar sem amstur hversdagsins annaðhvort stendur í stað eða flýgur áfram. Sýningin er opin til 23. júní.

Sunna Ástþórsdóttir


Ljósmyndir: Tumi Magnússon.

Frekari upplýsingar um listamanninn:
www.tumimagnusson.com

Að nýta sér styrkleika andstæðingsins

Að nýta sér styrkleika andstæðingsins

Að nýta sér styrkleika andstæðingsins

Fjórir listamenn eiga verk á sýningunni Við hlið sem nú stendur yfir í Verksmiðjunni á Hjalteyri. Það eru þau Baldur Geir Bragason, Erwin van der Werve, Ingunn Fjóla Ingþórsdóttir og Magnús Helgason sem jafnframt er sýningarstjóri. Verkin eru ólík en öll eiga þau í samtali við húsið sjálft – enda eiginlega ekki annað hægt þegar Verksmiðjan er annars vegar. 

„Ég laumaðist fyrst inn í Verksmiðjuna fyrir um 20 árum síðan þegar þáverandi tilvonandi kærastan mín bauð mér hingað í bíltúr. Ég hef fylgst með þessu húsi og haft listrænar taugar til þess síðan þá,“ segir Magnús Helgason sem tekur á móti blaðamanni í Verksmiðjunni. Úti er sól og blíða en inni í þessum stóra steinkumbalda er hrollkalt – og þótt áratugir séu liðnir síðan síldin flæddi um salina er lyktin enn á sínum stað. Þetta hús hefur næstum því óþægilega mikla nærveru. 

Ljósmynd: Magnús Helgason.

„Ég var sko logandi hræddur við að sýna hérna. Þetta rými er svo yfirþyrmandi,“ segir Magnús sem var hálfpartinn narraður til þess að stýra þessari sýningu af verksmiðjustjóranum Gústaf Geir Bollasyni. Þá var Erwin van der Werve þegar kominn að borðinu og Magnús valdi tvo aðra listamenn í hópinn, þau Ingunni Fjólu Inþórsdóttur og Baldur Geir Bragason. „Þetta eru allt listamenn sem vinna verk sem mér fannst henta þessu húsi,“ segir Magnús en flest verkin eru ný og unnin sérstaklega fyrir sýninguna með rýmið sem útgangspunkt. 

Hluti af verki Ingunnar Fjólu. Ljósmynd: Magnús Helgason.

Hluti af verki Baldurs Geirs. Ljósmynd: Magnús Helgason.

Hluti af verki Erwin Van Der Werve. Ljósmynd: Magnús Helgason.

Verk Magnúsar Helgasonar Ariel. Ljósmynd: Magnús Helgason.

Verk Baldurs Geirs, Megin, tekur á móti okkur þegar við göngum inn í salinn. Þetta er skúlptúr innsetning í nokkrum hlutum. Hvítar járngrindur sem mynda línur og form í rýminu og minna einhvernveginn samtímis á hindranir og grindverk sem eiga að stýra manni í rétta átt. Svolítið eins og borðarnir sem afmarka raðir á flugvöllum. Hér breytir sjónarhornið upplifuninni ört. Þegar horft er inn í salinn virðast grindurnar óyfirstíganleg hindrun, þegar nær er komið sést að þær afmarka reiti í rýminu og séð að ofan verða þær að léttum og leikandi formum. 

Verk Ingunnar Fjólu. Video tók: Gústaf Geir Bollason.

Innar í sama sal er verkið Augnablik. Þar hefur Ingunn Fjóla málað litríka fleti á súlurnar og sett upp stóra rólu sem hægt er að róla sér í. Þetta er leikur með hreyfingu og liti þar sem síbreytilegt sjónarhorn áhorfandans úr rólunni, breytir skynjun hans á rýminu. Hreyfing er líka þungamiðjan í verkinu Streymi en þar lætur Ingunn Fjóla litla mótora draga bönd á milli hæða. Þegar þau ferðast upp og niður teikna þau mynstur í rýmið og minna um leið á fyrri starfsemi hússins þegar síldin streymdi um Verksmiðjuna á færiböndum.

Hluti af verki Magnúsar Helgasonar. .Ljósmynd: Magnús Helgason.

Hluti af verki Erwin Van Der Werve. Ljósmynd: Magnús Helgason.

Hluti af verki Baldurs Geirs. Ljósmynd: Baldur Geir Bragason.

Hluti af verkum Baldurs Geirs og Ingunnar Fjólu. Ljósmynd: Magnús Helgason.

Erwin van der Werve sýnir fjölmörg málverk og teikningar sem unnin eru á pappír og striga með blandaðri tækni. Þau hanga um allt rýmið, í öllum sölum og á öllum hæðum og halda þannig utan um sýninguna líkt og húsið sjálft. Þetta eru óhlutbundin og óræð form sem minna á arkítektúr Verksmiðjunnar. Maður veit stundum varla hvar þau enda og veggirnir taka við. 

Verk Magnúsar eru í austursalnum. Hann er þekktur fyrir málverk sem hann setur saman úr fundnum efnivið en kveðst fljótt hafa áttað sig á því að hér, í þessu húsi, þyrfti hann að vinna á annan hátt en hann er vanur. „Mér hafði verið ráðlagt að reyna ekki að yfirvinna rýmið heldur beygja mig undir það. Þetta líkist pínu hugmyndafræðinni á bak við júdó þar sem maður notar styrk andstæðingsins til þess að sigra hann, kannski ekki alveg sambærilegt en samt,“ segir Magnús sem leitaði aftur í grunninn, í leikinn og sköpunargleðina sem hann segir að hafi einkennt vinnu sína þegar hann var nýútskrifaður úr listnámi og tók sig ekki of alvarlega. 

Ljósmynd: Magnús Helgason.

„Ég kom hingað inn með verkfæri, efnivið og ómótaðar hugmyndir sem duttu smám saman upp á veggina. Ég held ég hafi aldrei skemmt mér svona vel við að setja upp sýningu. Þetta eru alls konar vondar hugmyndir. Eins og til dæmis lyktarverkið Ariel,“ segir hann og bendir á silfurlitann þurrkara sem stendur á miðju gólfinu og hamast við að þurrka bleikt handklæði með lágværum drunum meðan hann dælir út úr sér millistéttarilminum Ariel eins og Magnús kallar þessa vinsælu þvottaefnislykt.

„Svo er ég líka með nokkur segulstálverk sem eru ný af nálinni,“ segir Magnús og um leið áttar blaðamaður sig á því að ýmsir hlutir sem hún hélt í fljótu bragði að héngu niður úr loftinu eða væru festir með glæru snæri svífa hreinlega um í lausu lofti. Gaffall laðast kröftuglega að sterku segulstáli en nær ekki alla leið því hann er tjóðraður í spotta. Tómarúmið, þessir örfáu sentimetrar sem upp á vantar, er hlaðið spennu. Þetta eru skemmtileg verk og manni finnst að þau hljóti líka að vera þrungin merkingu. „Nei. Ég fékk bara dellu fyrir segulstáli. Það er ekkert dýpra á bak við þetta,“ segir Magnús. „Þetta eru augnablik eða einhverskonar dægurflugur. Svo finnst mér þetta líka bara fallegt. Það er kannski það mikilvægasta. Að búa til eitthvað fallegt.“

Sýningunni Við hlið lýkur sunnudaginn 10. júní. Verksmiðjan á Hjalteyri er opin þriðjudaga til sunnudaga milli kl. 14:00 og 17:00. 

Þórgunnur Oddsdóttir


Aðalmynd með grein er af Magnúsi Helgasyni myndlistarmanni og sýningarstjóra sýningarinnar. Þórgunnur Oddsdóttir tók myndina.

Vefsíður listamannana:
Erwin van der Werve:  www.erwinvanderwerve.nl
Ingunn Fjóla Ingþórsdóttir: ingunnfjola.net
Magnús Helgason: magnushelgason.com
Baldur Geir: Kemur síðar.

Verksmiðjan: verksmidjanhjalteyri.com

UA-76827897-1

Pin It on Pinterest